よみがえる画家－板倉鼎・須美子展

目黒区美術館で開催中の『よみがえる画家　板倉鼎・須美子展』を観てきました。

狂乱の時代のパリに生きた知られざる日本人画家、板倉鼎と須美子の画業を振りかえる展覧会です。２年前に松戸市立博物館で回顧展が開かれたとき、その評判の良さに気になっていたのですが、東京でも展覧会をやっていると聞き、早速伺ってきました。

板倉鼎は大正13年に東京美術学校を卒業し、パリへ留学。サロンに入選するなど将来を嘱望されるも、28歳の若さでパリで客死します。妻・須美子は鼎のモデルを務めるかたわら自らも絵筆を執るようになり、鼎とともに美術展に出品。鼎が亡くなったあと帰国しますが、後を追うように亡くなります。

これから日本に戻り、活躍の場を広げていこうという矢先に亡くなったこともあり、その名は知られることなく長く忘れられていたのですが、松戸市立博物館での回顧展をきっかけに注目を集めるようになったというわけです。

板倉鼎 「木影」
大正11年（1922）　松戸市教育委員会蔵

まずは板倉鼎の作品から。美校在学中に帝展に初入選にしたりしてるので、確かにそれなりに上手いのですが、特徴といったものはあまり感じられません。美校では岡田三郎助の指導を受けていたそうで、外光派風の表現が目に付きます。

作品としては風景画や静物画も多いのですが、身近にギターを弾く女性がいたのでしょうか、ギターを弾く女性を描いた人物画が複数ありました。柔らかな木漏れ日の中、ギターを演奏する２人の女性を描いた「木影」はちょっとルノワールを思わせる温かみがあります。片脚を椅子に掛けてマンドリンを練習する姿が印象的な「七月の夕」は黒田清輝や岡田三郎助などの流れにある作品だなということを感じます。

板倉鼎 「七月の夕」
大正13年（1924）　松戸市教育委員会蔵

板倉鼎が須美子と結婚したのは美校を卒業した翌年。このとき須美子はまだ17歳。会場には鼎の自画像も展示されていましたが、都会的なイケメンという感じです。結婚前の須美子が取り上げられた雑誌も展示されていて、こちらはオシャレ系女子という雰囲気。２人は当時最先端の“モブ・モガ”だったんだろうなと思います。

板倉鼎 「土に育つ」
大正15年（1926）　松戸市教育委員会蔵

２人は結婚後、ハワイとアメリカを経由してパリへ旅立ちます。パリに移ってからの鼎の作風はそれまでの写実的な描法からモダンなスタイルへがらりと変貌を遂げます。鼎が師事したロジェ・ビシエールという画家はよく知らないのですが、鼎の通ったアカデミー・ランソンはナビ派のポール・ランソンが設立した私塾で、モディリアーニや梅原龍三郎も通ったところなんですね。その後の鼎の作品を観ると、なるほどなと思うのですが、どういう経緯でアカデミー・ランソンに学んだのかは気になるところです。

板倉鼎 「金魚」
昭和3年（1928）　松戸市教育委員会蔵

パリ時代の鼎の作品で強く惹かれたのが静物画。1927年頃には既に平面的で、色面を強調した静物画が見られます。描かれているものは花だったり、果物だったり、カタツムリだったりあるのですが、圧倒的に多いのは金魚の水槽。ベランダに置かれたテーブルとテーブルの上の水槽、そして遠くには風景という構図がだいたいのパターンで、最初は変な絵だなと思って観てたのですが、不思議とその世界に惹き込まれていきました。

板倉鼎 「休む赤衣の女」
昭和4年（1929）　個人蔵

作品の中に、“乳白色”で描かれたものがあって、同じ時代にパリで脚光を浴びていた藤田嗣治を意識したんだろうかと思ったりもしました。「リラ、アネモネ等」や「巴里にて」、「休む赤衣の女」など、いくつかの作品からはキュビズムの影響も感じます。とりわけアンドレ・ロートやレンピッカといったソフト・キュビズムの洗礼をパリで受けたのかなという印象を受けました。鼎が師事したロジェ・ビシエールのことを調べると、ブラックの立体派の影響を受けたとあり、またロートに師事した黒田重太郎もビシエールに学んだいたことがあるようで、なるほどという感じがします。

板倉鼎 「黒椅子による女」
昭和3年（1928）　松戸市教育委員会蔵

会場の後半は妻・須美子をモデルにした鼎の作品と、須美子自身の作品が展示されています。やはり鼎らしさが一番出てくるのは須美子を描いた作品で、いろいろと挑戦しているなと感じる作品もあるのですが、「画家の像」などはとても素直に描いている気がして好感が持てます。デッサンも残されていて、一見バランスの悪そうに見える絵もデッサンでは構図を練っている様子が窺えます。

板倉鼎 「画家の像」
昭和3年（1928）　松戸市教育委員会蔵

須美子の作品は、ちょっとメルヘンチックで個人的に好みではありませんが、絵を描く愉しさが伝わってくるようです。作品はパリに来る前に滞在したハワイを描いたものがほとんどで、余程ハワイが居心地良くて、楽園みたいなイメージが強烈だったんだろうなと感じます。

板倉鼎・須美子「午後　ベル・ホノルル」
昭和2～3年（1927-28）　松戸市教育委員会蔵

会場の最後に二人のプライベートフィルムが上映されています。小さな赤ちゃんを抱いていたり幸せそうな２人の姿はとても微笑ましいのですが、２人の悲しい結末を知ってるだけに見ていて辛いものがあります。


【よみがえる画家－板倉鼎・須美子展】
2017年6月4日（日）
目黒区美術館にて


板倉鼎 その芸術と生涯

色の博物誌 － 江戸の色材を視る・読む

目黒区美術館で開催中の『色の博物誌 － 江戸の色材を視る・読む』を観てまいりました。

先にご覧になられた方の評価もすこぶる良くて、気になったので覗いてみたのですが、これが面白い！ 他の美術館に行く予定も忘れ、見込んでいた時間を大幅に超えて見入ってしまいました。

目黒区美術館では1992年から５回にかけて、『色の博物誌』という企画展を催していて、本展はその総仕上げともいうべき展覧会なんだそうです。 過去には「青」や「赤」、「白と黒」、「緑」などカラーごとにテーマを設け、その色にまつわる作品や原料を紹介したり、考古や民俗、歴史などの観点から探ってみたりしたとのこと。今回はその長年の取り組みの集大成みたいなものですから、過去の展覧会を観ていない人でも十分に楽しめるというわけです。


まず導入部の１階の展示が楽しい。日本画や西洋画の絵具やいろんな種類の筆、古今東西さまざまな紙など実物を実際に見られたり、岩絵具が練り剤でどう色味が変わるのか比較展示されていたりします。研究室の整理棚みたいな棚の引き出しを開けて展示を見るという行為が好奇心をそそって面白いですね。正に“画材の引き出し博物館”。

２階は国絵図と浮世絵版画、その復元を通して使われた色を解き明かし、色材を詳しく解説していくという構成になっています。

「備前国図」
慶長年間（1596-1615）　岡山大学附属図書館池田文庫蔵

「国絵図」とは、17世紀から19世紀前半にかけて、幕府の命令により各藩の地形や交通事情を把握するために制作された絵地図。会場では今の岡山県にあたる備前と備中の国絵図が展示されています。地図といっても、手を広げて見るようなコンパクトなものではなく、縦横３～４ｍぐらいはあろうかという巨大なもの。ある種、政治的な権威も象徴してたようで、将軍はこの地図の上に立って見たのではないかと推測されているといいます。

最初の慶長時代の「備前国図」は国の形もおおまかで、地形もざっくりした感じがありますが、元禄時代のものになると測量技術も発達したため正確さが増しています。村の名前などが細かく書き込まれ、山や田畑などは記号化され、後年の国絵図では凡例が地図の角に示されるなどかなり整理され実用レベルになっていることが分かります。実際に石高の確認や境界の識別などに利用されていたようです。

今回の展覧会は“色材”がポイントなので、国絵図にどんな色が使われていたのか、またその復元を通して判明した研究成果も丁寧に解説されています。いわゆる洛中洛外図屏風や都市図屏風のような鑑賞用のものではないので、芸術性こそありませんが、胡粉が使われていたり、金泥が使われていたり、お城は金箔だったり、意外な発見があります。

鈴木春信 「三十六歌仙　紀友則」
明和４年（1767）頃

国絵図は岩絵具が中心で、植物系の透明感のある色材も使われているけれど、胡粉を混ぜるなど不透明な色面にしているのに対し、浮世絵では植物染料系の色材が中心で、和紙にバレンで圧力をかけ、紙に浸透させることで微妙な色の変化をつけていたのだそうです。どうような絵画・絵図に使用するか、効果を狙うかで色材を選んでいたのですね。

多色摺の木版画、つまり錦絵の立役者といわれるのが鈴木春信。春信の浮世絵作品を例に、初期錦絵にはどんな色が使われていたかも丁寧に解説されています。春信というと、黄や茶、紅色などが中心の淡く落ち着いたトーンの錦絵が頭に浮かびますが、実際に解析してみると、基本色に紅、青花、藤黄を使い、またその混色で独特の色を表現していたのだそうです。

ほかにも、葛飾北斎や渓斎英泉の藍絵を例に、藍色からベロ藍（プルシアンブルー）に変わる過程を紹介していたりします。江戸の庶民の色の好みの移り変わりとともに浮世絵版画で使われる色も変化していったことが良く分かります。

葛飾北斎 （原作）「東海道五十三次之内　蒲原　夜之雪」
立原位貫 （復刻）「東海道五十三次之内　蒲原　夜之雪」

故・立原位貫氏による浮世絵版画の復刻・復元作品も紹介されていて、とても興味深く拝見しました。浮世絵版画で多く使われた植物染料は退色しやすく、きれいな浮世絵だなと思っても、実は当時の色とはかなり違っていたりするようです。立原氏はかつての浮世絵版画で使われていた色や色材を研究し、多くの浮世絵版画の復刻に取り組まれていました。本展では現存する浮世絵版画と復刻版画を並べて展示されていて、ああこういう色だったんだ、こんなにヴィヴィッドだったんだと感動します。

色材のコーナーでは、本展で紹介された国絵図と浮世絵版画で使われていた色を中心に江戸時代の色材20種を取り上げ、その原材料や製造過程がこれまた丁寧に解説されています。特に驚いたのが“青”。浮世絵には“ベロ藍”、“本藍”、“露草（藍紙）”の３種類の“青”があったのだそうで、その内、“露草（藍紙）”は青花（露草に似た花）の色素で一度和紙を染め、乾燥させた和紙（“青花紙”という）をさらに水で戻し、絵具として使用していたのだとか。“藍（本藍）”も藍で染めた麻糸を“飴出し（石灰と水飴で色を抜く）”を行い、できた藍の泡を酢で中和させて絵具を作るという、ほとんどもう化学実験。そんな方法で色材が作られていたとは全く知りませんでした。

図録がまた良くできていて、ちょうど日本画の色材について書かれている本を探してたこともあり、迷わず購入。もちろん本展で紹介されている色の材料や作り方なども掲載されています。なかなかないんですよ、写真が豊富で解説が分かりやすく、値段が手ごろな本というのが。とても勉強になります。

ほかにも画材や画法書についてのコーナーもあり、興味は尽きません。

絵画はあくまでも参考でメインは「色」。絵画を鑑賞するのとは違った視点で作品を観ることで新しい発見がたくさんありました。日本画や浮世絵が好きな人ならきっと楽しめるし勉強にもなると思いますよ。


【色の博物誌 － 江戸の色材を視る・読む】
2016年12月18日（日）まで
目黒区美術館にて


一刀一絵

髙島野十郎展

目黒区美術館で『没後40年　髙島野十郎展　－光と闇、魂の軌跡』を観てまいりました。

去年の暮れから福岡県立美術館で行われ、好評だった回顧展の巡回展。個人的には名前は知っていても作品をよく知らない画家の一人で、今回の展覧会でその全貌にようやく触れられたように思います。

髙島野十郎は東京帝大農学部水産学科を首席で卒業するも、その後画家に転身したという変わり種で、絵画は独学、画壇とも無縁。そのため生前は広く名を知られることはなく、没後テレビで紹介されたりして、じわりじわり評価が高まっていったといいます。

出品数は約150点。東京では1988年目黒区美術館、2006年三鷹市美術ギャラリーに次いでの展覧会とのことです。


第１章　初期作品　理想に燃えて

帝大在学中に描いたという自画像が衝撃的です。画家の自画像もいろいろ観てますが、首や脛から血を流してる自画像なんて初めて。何か思い詰めてるのか、神経が昂ってるのか、目もどこかうつろで凄い形相です。33歳のときの自画像は片手には青りんご、片手は仏像のような印相で、これまた謎めいた表情を浮かべています。ちょっと変わった人なのかなという印象。

髙島野十郎 「りんごを手にした自画像」
大正12年（1923）　福岡県立美術館蔵

いきなりインパクトのある自画像に面喰いますが、この人の真骨頂は精緻な写実の静物で、初期の作品からその画力の高さは圧倒的です。布の表現にまだ完成されてない感がありますが、果物や花など一貫して徹底した写実表現が素晴らしい。ただの再現性の高い写実というのではなく、何か妖しかったり、どこかおどろおどろしかったり、ちょっとクセのあるフィルターを通しているというか、再構築されているようなところがあり、そこが独特の味になっています。

髙島野十郎 「けし」
大正14年（1925）　三鷹市美術ギャラリー

独学であるとはいえ、同世代の岸田劉生やデューラー、またゴッホなどの影響を受けているようです。特に、自画像や恩師の肖像画などを観ても岸田劉生に近いものを感じますし、デロリ的なものも影響されているのかもしれないと思ったりします。

髙島野十郎 「百合とヴァイオリン」
大正10年代頃（1921-26）　目黒区美術館蔵

第２章　滞欧期　心軽やかな異国体験

39歳の頃、画家志望だった兄の支援を受けて渡航。誰に師事するでもなく、またパリに集う日本人画家たちと交流するわけでもなく、行く先々でスケッチしたり、美術館に通ったりしていたのでしょう。３年に及ぶアメリカやヨーロッパでの体験は有意義だったようで、レパートリーに風景画が加わり、作風や色彩に変化をもたらします。

髙島野十郎 「日曜日の夕方、巴里のオーステルリッツ橋」
昭和5～8年（1930-33）　個人蔵

ニューヨークやパリ、ヴェネチア、さまざまな場所を描いた作品がありますが、それぞれタッチが違っていて、ユトリロぽかったり、ホイッスラーぽかったり、いろいろと研究していたのかもしれないなとも思いました。野十郎の絵はストイックで、執拗に突き詰めた感じがしますが、研究畑出身ということもあり絵を描くにも学究肌みたいなところがあったのかもしれません。


第３章　風景　旅する画家

帰国後の重要なモチーフとなる風景画を展観。南青山という都心に住んでいたようですが、東京ぽい風景画は皆無で、あっても新宿御苑や石神井公園といった自然豊かな場所や、あとは旅先での山や野、鄙びた村の風景が多いようです。

髙島野十郎 「御苑の春」
昭和23年以降（1948～）　福岡県立美術館蔵

これも海外を旅した影響なのでしょうが、それまでの静物から受ける印象とは打って変わって、明るさと軽やかさが風景画に現れています。野十郎は風景画も人気のようですが、静物ほどの個性はあまり感じられず、個人的にその良さはいま一つ分かりませんでした。遠近感のある広大な風景や季節感のある景色、写生を基本とした忠実な描写は確かに安心感があります。

髙島野十郎 「れんげ草」
昭和32年（1957）　個人蔵

奈良の古刹を描いた作品がいくつかあって、会場の一角に特別に展示されているのが「雨 法隆寺塔」。所蔵者宅から盗難に遭い、数年後発見されるもカビと湿気で酷く傷んだ状態になっていて、今度はその家が火事に遭って煤と熱で変色してしまったという作品で、二度の苦難を乗り越えながらも奇跡的に修復されたと、その過程が解説されています。そぼ降る雨の表現も秀逸で、情緒感のあるとても素晴らしい作品ですが、よくまあここまで修復されたと驚きます。

髙島野十郎 「雨 法隆寺塔」
昭和40年（1965）頃　個人蔵

第４章　静物　小さな宇宙

ここでは主に帰国後の静物が中心。滞欧米前と比べると、行き過ぎた作為性は薄れ、色彩や光がより繊細で、筆致も流れるように素直な感じを受けます。

髙島野十郎 「からすうり」
昭和23年以降（1948～）　個人蔵

髙島野十郎 「こぶしとリンゴ」
昭和41年（1966）頃　福岡県立美術館蔵

野十郎の静物は題材の選択や取り合わせ、画面の構成力にすごく特色があって、何より見た目的な写実の裏にある心の写実というか内面的なものを強く感じます。その絵の醸し出す静謐さ、空気感が心に浸透していく感じがあって、個人的にはかなり好みです。

髙島野十郎 「割れた皿」
昭和33年（1958）頃　福岡県立美術館蔵

煙草のひと筋の煙。写実を超えた深く感情的なイメージが表されているようで、ちょっとドキッとしました。

髙島野十郎 「煙（夜の）」
大正10年（1921）　個人蔵

第５章　光と闇　太陽・月・蝋燭

最後に野十郎がライフワークのように描いた“蝋燭”の絵や、太陽や月を描いた連作を紹介。初期の作品から光と闇、また仏教への関心は見え隠れしていましたが、それが最も特徴的に表れているのがこれらの作品で、野十郎の行き着いた心境を見る思いがします。

髙島野十郎 「蝋燭」
大正時代　福岡県立美術館蔵

ほぼ同一の構図、蝋燭の長さも炎の大きさもほとんど一緒。まるでミニマリズムです。売るために描いたのでなく、多くは知人に譲っていたというのも何か象徴的。月を描いた絵も、太陽を描いた絵も、どこか宗教的ですらあります。静読深思ならぬ静“描”深思とでもいうんでしょうか、極めて高い精神性を感じます。

髙島野十郎 「満月」
昭和38年（1963）頃　東京大学医科学研究所蔵

孤高の画家といわれ、美術運動の流行にも囚われることなく、自分の世界を追求した訳ですが、全くブレないというか、どの作品も徹底して考え抜かれた上で描かれている感じがして、こういう画家がいたんだと驚きました。


【没後40年　髙島野十郎展】
2016年6月5日（日）まで
目黒区美術館にて

巡回：　足利市立美術館　2016年6月18日（土）～7月31日（日）


高島野十郎画集―作品と遺稿

包む－日本の伝統パッケージ展

目黒美術館で開催中の『包む－日本の伝統パッケージ展』に行ってきました。

目黒区美術館って初めて行ったのですが、目黒駅からだと権之助坂を下り、目黒川沿いにしばらく歩いたところにあるテニスコートやプールなど区の施設のある一角にあります。目黒川沿いは都内でも有数（？）の桜の名所。桜の咲いてる時季はさぞきれいで、賑やかだったんでしょうね。桜の頃に来ればよかったと、ちょっと後悔しました（川は相変わらず臭かったですが…）。

（上写真）≪卵つと≫　山形県

さて、今回の『包む展』は、明治生まれのグラフィック･デザイナー岡秀行さん（1905-1995）のコレクションを紹介したもので、食料品や菓子折などの容器から、米俵や藁の苞（つと）、酒瓶などまで、日本の風土や自然素材を色濃く反映した“伝統パッケージ”を展示しています。

≪さらさあめ≫　宮城県/熊谷屋

会場は、それぞれ「木」、「竹」、「笹」、「土」、「藁」、「紙」といった素材ごとにスペースを分けられ、展示されています。 

≪澤の鶴≫　兵庫県/沢の鶴

恐らく何百年という長い経験や生活の中で生まれた藁や笹を使った包装物。職人技さえ感じさせる工芸的な美しさに溢れています。菓子折や食品のパッケージなどは大正時代から昭和の30年代頃にかけてのものだと思われますが、現代のグラフィックデザインにはない“心”を感じさせる懐かしさ、美しさ。日本ならではの“美意識”を思わずにいられません。

≪真盛豆（利休井筒）≫　京都府/金谷正廣

小さな頃、こういう包みを見たことあるなとか、お土産に買ってもらったことあるなとか、こんな洒落たものがあったのかとか、あまりに楽しくて面白くて、同じところを何度もグルグルしてしまいました。今度地方に旅行や出張に行ったときは必ずこういう商品を探してこよう、買ってこようと思うこと必至です。

≪鬼づら≫　香川県

樽や甕がビンやプラスチックになり、藁が発泡スチロールになり、便利さや合理化の流れで、どんどん伝統や個性、手わざが失われていく。こうしたコレクショ ンを蒐集した岡秀行さんがかつて危惧した以上に、現代ではどんどん進行しています。それはある意味、日本の古き良き伝統が失われていくことを意味してもいます。「これほど美しく、これほど心を動かされるものが、かつては日常生活にあふれていたのは驚くべきことである」と会場にありましたが、これだけ素晴らしい伝統が失われていくのはほんと悲しいと思います。

≪濱焼桜鯛≫　岡山県/鯛惣

でも、結局それは私たち日本人が近代化と引き換えにどこかに捨ててきたものなのですが、果たしてそれで良かったのかと、この展覧会はふと立ち止まらせるきっかけになるような気がします。ただの懐古趣味の展覧会ではなく、日本にはこんな素晴らしい伝統があったんだと再確認・再評価する意味は十分にある気がします。おすすめの展覧会です。

≪岡山獅子≫　岡山県/中尾正栄堂

【包む―日本の伝統パッケージ展】
目黒区美術館にて
５／２２（日）まで

包む─日本の伝統パッケージ