速水御舟とその周辺

世田谷美術館で開催中の『速水御舟とその周辺　大正期日本画の俊英たち』を観てまいりました。

なかなか時間が作れず、ようやく来れたのも会期後半。前期展示を観られなかったのがとても悔やまれます。

本展は、近代日本画を代表する速水御舟の没後80年を記念して、御舟の作品を中心に、御舟と同門の日本画家や御舟一門の作品を展観するというもの。

作品は幅広く全国の美術館から借り受けていて、前後期合わせて215点。一部前後期で入れ替えがありましたが、かなりのボリュームです。

御舟の重要な作品を多く持っている山種美術館の作品が一点も来てないのと、国立の美術館の所蔵作品がちょっと少ないのが残念なのですが、それでも選び抜かれた作品が集まっていて、満足度はかなり高めです。

速水御舟 「菊花図」
大正10年（1921）　個人蔵 （後期展示）

まず目に入るのが、本展のメインヴィジュアルに使われている鮮やかな 「菊花図」。琳派風の金屏風に濃彩で写実的に描かれた色・形さまざまな菊の花。花びらはしっかりと輪郭線で縁取られていて、ことのほか立体感があります。大正10年の院展に出品された20代後半の頃の作品で、思ったより小ぶりの屏風でした。

並びに展示されていた「女二題」は、10ヶ月に及ぶヨーロッパ旅行から帰国後に描かれた作品。二題ともモデルは御舟の妻で、着物の色や柄、髪型、体の向きなどを対照的に描いています。 「女二題」は下図もあって、比較して観られるのもいい。

速水御舟 「女二題」
昭和６年（1931）　福島県立美術館蔵

第１章　安雅堂画塾－師・松本楓湖と兄弟子・今村紫紅との出会い

師で歴史画の大家・松本楓湖の作品をはじめ、楓湖の画塾に通っていた10代の頃の御舟や、御舟と同日に門を叩いたという小茂田青樹、また兄弟子・今村紫紅の初期作品など、なかなか興味深い作品が並んでいます。楓湖は歴史画を得意としたとはいえ、画塾では大和絵や狩野派、円山四条派、琳派など、さまざまな流派、古典の粉本の模写が中心だったといいます。御舟の「北野天神縁起絵巻」と「病草紙」の模写の完成度の高さといったら。


第２章　赤曜会－紫紅と院展目黒派

赤曜会は今村紫紅を中心に結成された若手画家の研究グループ。同じ画塾に紫紅や御舟、青樹といった後の近代日本画を代表する若き俊英たちがいたという偶然もスゴイのですが、歴史画の楓湖の下から、形髄化しつつある日本画からの脱却を目指し新しい日本画を模索するという動きが生まれたというのがまた面白い。楓湖は放任主義だったといいますから、あまり縛られてなかったのかもしれないですね。赤曜会は印象派の画家を真似て戸外で写生したり、フランスのアンデパンダン展のように屋外にテントを張って展覧会を開くなど、当時としてはかなり斬新なことをしていたようです。

今村紫紅 「蓬莱郷」
大正４年（1915）　川越市立美術館蔵

紫紅では、インドの生活風景を描いたエキゾチックな双幅の掛軸「水汲女・牛飼男」が面白い。右幅にはオウムが、左にはリスがアクセントになっているのもユニーク。紫紅らしい新南画の「蓬莱郷」も良いですね。「近江八景」の小下絵もあって、すでに完成されたような出来栄えにビックリ。

牛田雞村 「滋賀の里」
大正９年（1920）　滋賀県立美術館蔵

御舟では濃彩の「山茶花」、青樹では「薊」が秀逸。大正期の近代日本画らしいモダンな雰囲気があります。赤曜会の黒田古郷、小山大月、牛田雞村はたぶん初めて観る画家。とくに牛田雞村の丸っこい輪郭の、鄙びた農村や山村の風景画が好き。小山大月も「芍薬」と「朝顔」も印象的。


第３章　速水御舟と小茂田青樹

終世のライバルだった御舟と青樹の作品を紹介。似たモティーフ、同じような構図など、２人の作品を敢えて並べて比較展示しているものもあって興味深かったです。御舟の「山茶花に猫」と青樹の「猫にオシロイ花」、御舟の「仲秋名月」と青樹の「月涼」といった具合に、御舟が猫を描けば青樹も描き、青樹が月を描けば御舟も描きと、お互いに影響しあっているのか、仲が良いのか。まあ、よくある構図ではあるのですが。

速水御舟 「山茶花に猫」
大正10年（1921）　西丸山和楽庵蔵

山種美術館や東京国立近代美術館が持っている御舟の代表作と呼ばれるものが来ていない反面、これまであまり観たことがないような魅力的な作品や幅広い画業に触れられたのは本展の収穫。「白磁の皿に柘榴」の写実性の高さや「晩冬の桜」の詩情性は目を惹きます。渡欧で目にした西洋の風景を描いた『遊欧印象小作展』の一連の風景画も面白い。

速水御舟 「白磁の皿に柘榴」
大正10年（1921）　長谷川町子美術館蔵

速水御舟 「晩冬の桜」
昭和３年（1928）　福島県立美術館蔵

御舟ほどの出品数ではありませんが、小茂田青樹も充実しています。青樹も山種や東近美でよく見かける画家ですが、ここまでまとまった形で観たのは初めて。御舟に画風が近い作品もありますが、詩的な感じやモダンなセンスはこの人ならではのもの。白眉は墨の濃淡だけで月夜の葡萄の木を繊細に描いた「秋意」。「ポンポンダリア」や大正ロマン風の「薔薇」もいい。

小茂田青樹 「秋意」
大正15年（1926）　川越市立美術館蔵

第４章　御舟一門　高橋周桑と吉田善彦

御舟は基本的に弟子を取らなかったそうですが、縁あって御舟に師事した２人の画家を紹介。どちらも画風は御舟に近く、高橋周桑の「白木蓮」や高橋周桑の「寧楽の杜」あたりは御舟の影響を強く感じます。吉田善彦の「苔庭」なんて御舟の「翠苔緑芝」を思い起こさせますね。

吉田善彦 「苔庭」
昭和22年（1947）　世田谷美術館蔵

速水御舟の没後80年の展覧会ということなのだから、できればもう少し代表作と呼べるものが集まっていれば…と思わなくもありませんが、全国津々浦々の美術館の知られざる御舟作品に触れられたのは正直有難い。小茂田青樹や赤曜会の画家の作品などがいろいろ観られたのも良かったなと思います。


【速水御舟とその周辺　大正期日本画の俊英たち】
2015年7月5日まで
世田谷美術館にて


もっと知りたい速水御舟―生涯と作品 (アート・ビギナーズ・コレクション)

華麗なるジャポニスム展

世田谷美術館で開催中の『ボストン美術館　華麗なるジャポニスム展　－印象派を魅了した日本の美－』に行ってきました。

伺った日は平日で、ほぼ開館時間に着いたのですが、チケット売り場には長蛇の列。夏休みということもあって、お孫さんと一緒の祖父母や家族連れの姿も目立ちました。ちなみに、チケット売り場の列は、展覧会を観終わって帰るときにも続いてました。すごい人気ですね。

さて、本展はボストン美術館が所蔵するジャポニスム（日本趣味）の影響により制作された絵画や工芸品、日本の浮世絵などを中心に展示しています。

≪印象派を魅了した日本の美≫とあるので印象派の展覧会かと思いきや、印象派のほか、ナビ派や世紀末美術、アメリカ絵画、アーツ・アンド・クラフツ運動やアールヌーヴォーといった工芸品まで幅広くジャポニスムに影響された作品が紹介されています。


1．日本趣味

会場に入ると最初に登場するのが浮世絵で、本展は全148点の内、数えたら浮世絵が34点も出品されています。たとえば浮世絵の構図や単純化（またはデフォルメ）、色使いなどが西洋美術にどう影響を与えたのか、時に浮世絵と西洋画を並べて展示するなど、比較対象として紹介されているので、ジャポニスムを理解する上でも分かりやすい。ただ、浮世絵を観に来たわけではないので、ちょっと多い気も…。

歌川広重 「名所江戸百景　大はしあたけの夕立」
江戸時代・安政4年（1857）

ゴッホが浮世絵を模写していたというのは有名な話ですが、広重の「大はしあたけの夕立」や「亀戸梅屋敷」がそのオリジナルで、それぞれ「雨中の橋」、「花咲く梅の木」として描いています。さすがにゴッホの作品は来ていませんが、パネルで紹介されています。


2．女性

浮世絵の美人画はあくまでも鑑賞の対象であり、ブロマイドのようなものであったわけですが、印象派が登場するまでは西洋画で女性を描くといえば肖像画か宗教画だったので、浮世絵に描かれる女性の姿は西洋の人々に新鮮に映ったようです。

アルフレッド・ステヴァンス 「瞑想」　1872年頃

着物を着てくつろぐ女性を描いた「瞑想」。キレイだなぁとしばし見入ってしまいました。ステヴァンスという方は知らなかったのですが、もとはアカデミズムの画家で、モネやドガ、ホイッスラーとも親しかったといいます。エレガントな女性を描いた作品で定評があったようです。展覧会では初期のジャポニスムの画家と解説にありました。Wikiを見たら、サラ・ベルナールに絵の手ほどきをしていたというから驚きです。

フィンセント・ファン・ゴッホ 「子守唄、ゆりかごを揺らすオーギュスティーヌ・ルーラン夫人」
1889年

ゴッホの「子守唄、ゆりかごを…」は歌川国貞の「当盛十花選 夏菊」との類似性が指摘されていました。ゴッホの描く肖像画は国貞や広重の役者絵と共通点が多いと。背景が日本的でもあり、ゴッホ的でもあり、面白いですね。

クロード・モネ 「ラ・ジャポネーズ（着物をまとうカミーユ・モネ）」　1876年

“ジャポネズリ”を象徴する作品「ラ・ジャポネーズ」は、予想以上に大きく、そして美しい。モネは約10年前に描いた代表作「カミーユ（緑衣の女）」と対となる作品として制作したといいます。打掛の色の鮮やかさ、武士の立体感、トリコロールのような扇子や背景の団扇のユニークさ、床は御座というこだわり。観ていて楽しくなるし、ここまで日本を愛してくれてありがとうと言いたくなります。解説によると、打掛は能や歌舞伎で知られる「紅葉狩」を主題としていて、地芝居か花魁道中のために作られたものではないかとありました。

ちなみに、「ラ・ジャポネーズ」は修復後世界初公開ということで、キャプションでも詳しく解説されていたり、修復の様子を撮影した映像も流れていたりします。


3．シティ・ライフ

展覧会を通じて、中には「これ、ジャポニスム？」と幾分拡大解釈に思える作品もありましたが、それだけ日本美術が西洋に与えた影響は大きいというか、当時の西洋人には新鮮で衝撃的に映ったんでしょう。直接的にジャポニスムを取り入れた人もいれば、それが刺激となって新たな作品を作り出した人もいるんだなと感じます。

フェリックス・エドゥアール・ヴァロットン 「版画集『息づく街、パリ』より≪にわか雨≫」
1894年

ヴァロットンは浮世絵をコレクションするなど日本美術に傾倒していたというのは先日の『ヴァロットン展』で知りましたが、この「にわか雨」の雨の描写なんて、もろ広重の「大はしあたけの夕立」ですね。こういう雨の描き方はそれまでの西洋画にはなかったというのは、先日放映されたテレビ東京の『美の巨人たち』でも紹介されていました。


4．自然

鶴や虎、植物の文様など、日本美術に多く登場するモティーフ。白眉はコールマンの「つつじと林檎の花のある静物」で、掛け軸のような縦長の構図といい、上品で落ちついた色のトーンといい、写実的で巧みな筆致といい、どれをとっても素晴らしい。恐らくちゃんとツツジと林檎の花を探して生けたのでしょうね。生け花のセンスや花器の取り合わせも見事。コールマンはアメリカの唯美主義を代表する画家とのこと。同じくアメリカの画家フランク・ウェストン・ベンソンの応挙の絵を模したという「早朝」や印象派風の「銀屏風」も◎。

チャールズ・キャリル・コールマン 「つつじと林檎の花のある静物」　1878年

ジャポニスムというとヨーロッパを思い浮かべますが、アメリカ絵画がちらほらあるのはボストン美術館のコレクションならでは。ティファニー工房の葡萄蔓のデスクセットや松葉文様の写真立てなど今売られていても人気が出そうなオシャレな逸品もありました。ほかに、アーツ・アンド・クラフツ運動やアールヌーヴォーといったジャポニスムにインスパイアされた工芸品なども展示されています。


5．風景

最後は≪風景≫。ここで目に付いたのが海や港、または水辺を描いた作品で、浮世絵と比較しながら観ていくと、その影響、関連性というのがよく分かりますし、「ここにもジャポニスムが」というのが見えてきます。

ジェームズ・アボット・マクニール・ホイッスラー 「ノクターン」　1878年

ジェームズ・アボット・マクニール・ホイッスラー 「オールド・バターシー・ブリッジ」
1879年

いわれてみれば、ホイッスラーの墨絵のような「ノクターン」も闇に霞む遠景や舟の情景が日本画のようであり、エッチングの「オールド・バターシー・ブリッジ」も広重の「東海道五十三次 岡崎 矢矧之橋」を彷彿とさせます。

エドゥアルド・ムンク 「夏の世の夢（声）」　1893年

ムンクのこれのどこがジャポニスムなのかと思ったら、森の木々の格子構造には元ネタがあるといいます。ほかにも広重の作品と類似点があるモネの作品や、有名な“水の庭”を描いた「睡蓮」などが展示されています。


印象派など西洋絵画を見慣れた人にも、アートビギナーにも、そして夏休みの自由研究の児童にも、それぞれに楽しめて、勉強になり、いろいろ発見のある展覧会だと思います。世田谷美術館はどの駅からもバスを利用しなければならず、ちょっとアクセスが悪いのですが、期間中、用賀駅から直行バス（100円）が出ていて、これが便利でした。


【ボストン美術館　華麗なるジャポニスム展　－印象派を魅了した日本の美－】
2014年9月15日（月・祝）まで
世田谷美術館にて


美術手帖 2014年 08月号


印象派で「近代」を読む―光のモネから、ゴッホの闇へ (ＮＨＫ出版新書　350)

松本竣介展

世田谷美術館で開催中の『松本竣介展』に行ってきました。

つい先だって、東京国立近代美術館の『美術にぶるっ！』展で松本竣介の絶筆「建物」を初めて観たのですが、心に深く響くものがあり、なにか暗闇の中に光に包まれた美しく厳かな教会か廟を見たかのような、そんな衝撃を受けました。偶然にも今年は松本竣介の生誕100年だそうで、ちょうど世田谷美術館で松本竣介展が始まったというので、早速、足を運んでみました。

松本竣介は戦前から戦後にかけて活躍した洋画家で、ようやく戦争が終わり、これからだという昭和23年に36歳の若さで亡くなっています。

東京に生まれ、その後少年時代を岩手で過ごしますが、13歳のとき、旧制中学の入学式当日に病に倒れ、命と引き換えに聴覚を失ったそうです。

やがて絵画に目覚めますが、盛岡時代に描いた初期の作品は、モネ風の作品やセザンヌ風の作品など、少し印象派の影響を感じさせるような作品も見られ、まだまだ自分の個性を絵に発揮できていないようでした。それでも絵に自分の生きる道を見つけ、一生懸命描いていたのでしょう。少年時代の松本の絵からは生き生きとした表現や絵に対するひたむきな様子を窺い知ることができます。

松本竣介　「盛岡の冬」
1931年　岩手県立美術館蔵

会場は、大きく第１会場と第２会場に分かれ、初期の作品から最晩年の作品まで、年代ごとに、またテーマ別に展示されています。


Ⅰ． 前期

前期のコーナーは、1927年から1933年までの盛岡時代の初期作品と、東京に上京し、技法や画法の実験を重ね、試行錯誤を繰り返しながらも、二科展に入選するなど評価を高めていった1935年から1941年までの作品を展示しています。

松本竣介　「母と子」
1936年頃　岩手県立美術館蔵

それぞれに「都会：黒い線」 、「郊外：蒼い面」、「街と人：モンタージュ」などのテーマに沿って作品が展示されています。

1935年（昭和10年）頃の松本竣介の絵からは、昭和初期の東京の躍動感や新しい時代の感性を何とか描き出そうという、そんな意気込みが感じられます。松本の絵は黒い線描が特徴的ですが、この頃の線は黒く太く、ルオーやモディリアーニの影響もあるようだと会場の解説には書かれていました。

松本竣介　「有楽町駅附近」
1936年　岩手県立美術館蔵

この頃既に、松本は“建物”を好んで描いていたようです。やがて、都会の街並みや女性などいくつものイメージを重ね合わせてコラージュ的に配したモンタージュ技法という独自のスタイルを生み出します。東京の風景というよりも、どこの国とも知れぬ無国籍なムードが漂います。色もブルー系やグリーン系などで統一され、どこかシャガールの絵を思い起こさせます。

松本竣介　「都会」
1940年　大原美術館蔵

松本竣介　「青の風景（少年）」
1940年　岩手県立美術館蔵

昭和戦前期の前衛芸術運動の影響なのか分かりませんが、松本竣介の絵が急激に研ぎ澄まされていくというか、どんどん抽象的なものへと変化していきます。この頃から松本は、同じテーマ、画法による作品を繰り返し制作しています。色面構成や独特の線描、イメージの合成に特徴を表す一方で、クレーやミロ―を彷彿とさせる抽象画も登場します。

松本竣介　「茶の風景」
1940年　岩手県立美術館蔵

この時代の作品で自分が好きだったのは、フロアーの島の壁に並んで展示されていた二枚の「黒い花」。同じ年に描かれた作品ですが、描かれているイメージや色も異なるのに「黒い花」とは何とも不思議な絵だなと強く印象に残りました。

[左]　松本竣介　「黒い花」　1940年　個人蔵
[右]　松本竣介　「黒い花」　1940年　岩手県立美術館蔵

Ⅱ． 後期：人物

さて第２会場に進むと、1940年（昭和15年）から亡くなる1948年（昭和23年）までの後期作品が展示されています。

戦争の足音が日増しに強くなる昭和15年あたりから、松本竣介の画風は大きく変化します。それまでの大都会の躍動を感じさせるリズミカルで現代的な表現性や、モンタージュ技法による抽象的な画面構成は鳴りを潜め、どこか物思うような、寂しげなリアリズム調の作品に大きく変化を遂げます。

ここではまず、この時代の人物画から見ていきます。 人物画は「画家の像」、「女性像」、「少年像」などに分けて展示されていました。

松本竣介　「立てる像」
1942年　神奈川県立近代美術館蔵

松本竣介は耳が不自由だったため兵役は逃れましたが、まわりの多くの画家仲間たちや同年代の若者たちが次々と戦地に赴きました。松本は国家総動員の時代に戦争に参加できない自分を責め、罪の意識に苛まれていたのでしょうか。スケッチ帖を片手に街をうろうろする姿は、もしかしたら非国民扱いさえ受けたかもしれません。そうした彼の内なる心情がキャンバスに現れたような、そんな作品が続きます。

松本竣介　「水を飲む子ども」
1943年頃　岩手県立美術館蔵

松本は、話者が指で宙に書く文字を読んで日常会話をしていたそうですが、彼の描く人物画のいくつかは、その指の仕草が特徴的に描かれています。

人物画のフロアー横の小さなスペースに「童画」というコーナーがありました。これは松本竣介の息子が描いた絵（といっても幼児の落書き）をもとに松本が手を加えて作品にしたものなのですが、子どもの拙い線描も、どこかパウル・クレーにも通じるような抽象性と詩情性が浮き上がり、とてもユニークな作品になっていました。


Ⅲ． 後期：風景

次に風景画です。街の息吹も消え、静謐というよりも孤独感を感じさせるような、そんな風景画が並びます。ここでは、「市街風景」、「建物」、「街路」、「運河」、「鉄橋付近」、「Ｙ市の橋」、「ニコライ堂」など松本竣介が繰り返し描いてきたテーマごとに分けて作品を展示しています。

松本竣介　「議事堂のある風景」
1942年　岩手県立美術館蔵

この頃の松本竣介の作品は、モチーフが限定され、ある種パターン化されています。好んで描いたニコライ堂や横浜駅前の橋、鉄橋、駅や工場の建物など、同じモチーフ、同じ構図の絵を精力的に描いていたようです。こうした、都会の喧騒から隔絶されたような、人気のない風景画は「無音の風景」と称されたそうです。

松本竣介　「鉄橋近く」
1944年　岩手県立美術館蔵

資料展示でスケッチ帖なども展示されていましたが、最初のスケッチはかなりラフなもので、恐らくそれをもとにアトリエで構想を加えていったようです。実際にはないものが加わっていたり、配置を変えたり、これはかつてのモンタージュ技法の名残なのでしょうが、その辺は自由だったようです。またそれぞれの絵には、建物の形、ニコライ堂や東京駅のようなドーム型の屋根、煙突、荷車など特徴的なものが共通して見られます。

松本竣介　「Ｙ市の橋」
1943年　東京国立近代美術館蔵

横浜駅前の橋の絵。鉄橋や工場、小屋、煙突、運河、橋…、松本竣介の好んだモチーフが全て描かれている代表的な作品ですが、戦後の焼け跡の風景には衝撃を覚えました。まるで橋へのレクイエムのようです。

松本竣介　「Ｙ市の橋」
1946年　京都国立近代美術館蔵

資料展示には、国威発揚、戦意高揚のための“芸術制作”が画家にも強く求められていた時代に、“芸術の自立”を主張し発表した松本の論文「生きてゐる画家」や、友人・靉光の壮行会の写真など貴重な史料が展示されています。

松本竣介は“戦争画”の強要に抵抗した画家というイメージがあり、反戦的な芸術家の象徴のように自分は思っていました。しかし、会場にあった年表などを見ると、松本竣介も幾度か“戦争画”の展覧会やポスター展に作品を発表していたことが分かります。どういった作品なのか言及はありませんでしたが、彼は彼なりの“戦争画”を描いて時流に乗っていたのかもしれません。終戦直後に疎開先の息子に宛てた手紙が資料展示されていましたが、その中にも戦争に負けた悔しさや、幼い頃は自分も軍人になりたかったということが書かれていました。松本は障害故に戦争に参加できないことで自責の念の駆られていたともいいます。彼は、そんな自分に対するもどかしさや苦しさ、孤独、戦争の空しさや悲しさ、命の重さといったものを、自分の内なる声として描き続けてきたのだなと理解しました。


Ⅳ． 展開期

戦後、松本竣介の画風は再び大きく変わります。赤褐色の地色に大胆で荒々しい線描、抽象的な人物や建物。新たな造形への模索が始まります。

松本竣介　「子ども」
1947年頃　岩手県立美術館蔵

最後のコーナーは、戦後の僅か２年余りの時期のもので、作品数も多くありませんが、心の何かをぶつけるような強い表現力と独特のトーンに包まれていまし た。戦争が終わり、自由の時代が訪れたという喜びや輝きはその作品からは感じられません。どこか疲れたような、何か悟ったような、そんな風にも思えまし た。

松本竣介　「彫刻と女」
1948年　福岡市美術館蔵

1947年の暮れから松本は体調を崩していたのですが、周りから休養を勧められるも、制作活動を止めなかったといいます。最後の作品「彫刻と女」と「建物」の制作を終えると、そのひと月後に息を引き取ります。会場には絶筆の一つ「彫刻と女」と同時期に描かれたとされる「建物（青）」が展示されていまし た。もう一つの絶筆「建物」は、現在、東京国立近代美術館で開催中の『美術にぶるっ！ 第Ⅰ部 MOMATコレクションスペシャル』に展示されています（但し、本展の図録には「建物」も掲載されています）。

松本竣介　「建物」
1948年　東京国立近代美術館蔵
（※この作品は本展には出展されていません）

生誕100年ということで、約120点の作品と数多くの資料が一堂に介した非常に充実した展覧会でした。第１会場は２階で、第２会場が１階なのですが、それぞれの会場を一度出てしまうと戻れないようなので、ご注意ください。


【生誕100年　松本竣介展】
2013年１月14日（月）まで
世田谷美術館にて


松本 竣介 線と言葉 (コロナ・ブックス)


青い絵具の匂い - 松本竣介と私 (中公文庫)